新媒體藝術強調互動、體驗、打破框架、解構主流藝術的角色與創作定位，強調新技術的介入與反省以彰顯時代精神，已經是當代藝術圈耳熟能詳的宗旨。但是近年來我們看到越來越多的是對技術的崇拜，對觀眾掌聲/資金的耽溺，對主流議題的逢迎。結果獨特嶄新的新媒體美學還在打造的今天，新媒體藝術作品或被原本的其他媒材與形式的藝術收編，更多則變為提供感官刺激的娛樂。前輩大師提倡實踐對創作、參與、欣賞/互動、論述的解放、多元，在現在的新媒體藝術裡如鳳毛麟角。連新媒體最自豪的生猛衝撞戰鬥力，也了不可得。
我在陶亞倫的「腦內劇場」，卻能感受到久違的生機與趣味。
「腦內劇場」在2024年歐洲科技之都展會期間應邀發表後，這次在華山文創烏梅劇場是國內首演。而這個版本，業經陶亞倫大幅刪改，迥異於前此的歐洲版。展演的型式，一方面有體驗者戴上VR 眼鏡觀看動畫影片，動畫影像會投影在銀幕；一個銀幕則顯示全景鳥瞰體驗者與所觀畫面；還有一個銀幕，既能顯示連線的體驗者現場腦波變化造成的所觀部份影像形色變化，又能顯示動畫裡的妖獸動作是感應真實世界裡一個兒童的動作。場邊觀眾可以觀賞三個投影銀幕與體驗者，也可以親自欣賞VR 動畫。這個兩層觀看/被觀看/互動的設計，頗具巧思。
我與藝術家討論VR 影音時，發現我的心得與他的構想大相逕庭。他有強烈的譏諷意圖，我卻聯想到密教的明點、壇城、生圓次第。對這樣子的多元陳說，我反而特別興奮。長久以來，充斥台灣的VR/AR作品，絕大多數是創作者單一角度的敘事以及視野、情節設計。說實話，比起電竸、遊戲還要更霸道主觀。我就跟陶亞倫說：這件作品容或視覺的精緻度與影音臨場震撼不如他的一些前作飽滿，但我反而喜歡這樣的開放性。我也認為：這件作品的延展性、可變性很有潛力。也就是說：這件作品還在活著，像他的錄像裡現實世界那個蹦蹦跳跳的小怪獸，並不如VR 影像的大妖獸吞噬一切後煙消雲散了。
陶亞倫認為與其糾結於建立新媒體藝術的主體美學，不如重新思索諸如20世紀初的極限主義、構成主義、包浩斯等等解放運動的理想。我是不太贊同這隱涵新媒體思想必然的附庸地位，但話說回來，藝術史的演進從現代主義到後現代，再在彰顯的，不就是「再現」傳統與洞穴理論的貧乏嗎？「凡所有相，皆是虛妄」，藝術家的追求體會如是，不具藝術家頭銜的吾等，難道不也能「一一身，一一口，各出一切眾生數等言音」，平等平等，隨類而解藝術的無上奧義嗎？
