採訪：陳怡樺、賴怡安
撰稿：賴怡安、徐安直
文字整理：陳明煜、陳怡樺
攝影：徐安直
定居台灣近20年、曾以《由島至島》獲第61屆金馬獎最佳音效設計的法國聲音藝術家澎葉生（Yannick Dauby），2025年受台東聲音藝術節委託，執導紀錄作品《骨恆久於羽》（Bone Always Outlasts Feather），入圍2026年TIDF台灣競賽。
長期深入山林錄音的澎葉生，以田野中的聲音為主要媒介，加上台東霧鹿國小布農族孩子們闡述的「夢」，以及三位台灣女性藝術家帶有神話色彩的旁白朗誦，呈現真實與夢境邊界逐漸消逝、交融的狀態。在遲滯的影像和流動的聲音之中，澎葉生引導觀眾感知、思考「聆聽」的意義，並藉作品傳達他多年來對人、時間和土地的觀察與想法。
（圖／導演澎葉生；徐安直攝影）
Ｑ：首先，請你聊聊創作本片的起源與過程，您如何開始採訪霧鹿國小的同學，並在山林田野中錄製聲音？
澎葉生Yannick Dauby（以下簡稱Yannick）：一開始是台東聲音藝術節的策展人張溥騰邀請我參展，他介紹我認識在霧鹿國小服務的大海老師。老師對我關注的自然環境主題很有興趣，因此建議我在學校為孩子們舉辦工作坊，校方則提供住宿作為交換。我的創作方式通常很即興，我心中會帶著一個非常模糊、大概的主題，便選定一個地方進行田野工作，看遇到什麼、現場狀況怎樣，回家再思考我可以做什麼。
所以我到學校的時候，我的想法很單純：去訪問小朋友，請他們告訴我他們的家人在山上做什麼樣的工作？但問了一會兒便卡住了，他們不會描述那樣的生活，反而是隨意問到「你們會作夢嗎」的時候，他們立刻有反應，我便抓住這個主題繼續往下挖，這逐漸成為作品的主軸。
我後來透過友人才知道，「夢」在布農族文化中扮演重要角色，家人們會彼此分享、討論夢的意義，小朋友本來就有描述夢的經驗，所以訪談當下的敘述都很飽滿。除了訪談之外，我也會一個人上山錄環境音，那是另一種經驗，我習慣獨自前往，花時間享受，聽到什麼就錄什麼，沒有特定目標。
（圖／《骨恆久於羽》電影劇照；台灣國際紀錄片影展提供）
Ｑ：在這部強調「聆聽」的作品中，您如何呈現對於「口音」和「語言」的理解？尤其旁白虛構神話的部分選擇使用英語，而非中文或是布農語。
Yannick：山上部落的有些人說話會帶有獨特的口音，因為聽不太清楚，我必須更加注意聆聽，便發現某些音跟我平常聽到的不一樣。我非常喜歡「口音」，我覺得各種口音是十分有趣、好聽，且非常美的——絕非好笑、或能被拿來開玩笑的。口音必須要保留，因為那是語言重要的一部分，這值得我們思考和討論。
至於用英文寫旁白，是為了讓觀眾區分清楚：我不是在挪用布農族的神話，而是以自己的感受去創作神話。其實如果用法文來寫會比較熟悉，但那樣就太容易了，我在田野經驗中學習到，不熟悉的語言會帶有一種厚度，使用英文對我來說有一些 limit（限制），但這些 limit 不但不是干擾，還會對創作產生幫助。
我請來念旁白的三位朋友都是藝術家（分別為：詩人葉覓覓、導演林君昵、聲音藝術家許雁婷），我不想找演員，我想要錄真實的「人」唸故事。又因為訪談的布農族成人大多是男性，我想要達成一個 balance（平衡），所以選擇女性，而她們的英語都帶有一些口音，這也是故意的，我寫的英文稿本來就不流暢，所以希望聽到和語言狀態相符的聲音。
（圖／《骨恆久於羽》電影劇照；台灣國際紀錄片影展提供）
Ｑ：片中有邀請觀眾「閉上眼睛」的互動設計，作為一名聲音藝術家，您如何看待聲音與影像之間的關係？
Yannick：其實我在學校或工作坊帶領聆聽活動時，第一句話就是請大家「閉上眼睛」、專注於聆聽，這是我的教學習慣，等聆聽結束後，大家再一起討論剛才的感受。
另一方面，我的紀錄片養成是來自「聲音紀錄片」，台灣可能不常見，但在法國很多。法國國家電台會推出許多跟田野工作、聲音紀錄片相關的節目，現在很多人覺得＂Radio＂跟＂Podcast＂差不多，都是幾個人討論事情、播新聞、放音樂，但對我來說不是這樣；Radio是一群人去外面，聽聲音、聽世界，帶回studio（工作室）剪輯、混音，然後播放，你在家裡打開電台，會聽到亞馬遜的鳥、俄羅斯的訪談、附近的一個老人家——對我來說電台是這樣的。
為什麼Radio非常棒？因為你無法控制，它不能像Podcast或Youtube那樣用倍速播放，而是像水龍頭，一打開，水就一直流出來，你必須要聽。我認為，身為一個創作者，能帶給觀眾最有趣的體驗就是：「我給你聽一個東西，但不告訴你是什麼，你先把眼睛閉起來，我再播放。」要求觀眾將眼睛閉上，是個冒險的嘗試——影像消失了，你要全然地相信我——而我喜歡這種模式。
對我來說，影像更像是用來配聲音的工具，聲音最重要。一部紀錄片我們可以關掉影像，去聽受訪者分享故事、聽片中的環境音；但如果關掉聲音就太可惜了，沒有聲音，電影就會變很單薄。
Ｑ：您同時是聲音藝術家、混音師，現在也成為了導演，擔任不同職位時，您的工作方式與創作過程有何不同？
Yannick：我不會區分自己藝術家、混音師，還是導演，這樣太無聊了。我的創作沒有固定的process（過程），我必須保持彈性，不會設立很高的目標，而且我喜歡DIY，像這部片的color grading（調光）、校色，甚至是DCP（數位電影包）製作，我也都是自己做、自己學。
今天做50分鐘的紀錄片，工作過程會比較長、經驗更多，很有趣；但如果是做一個只有聲音的3分鐘作品，我也會很努力——不是說做3分鐘作品我就是「聲音藝術家」、做50分鐘的紀錄片我就是「導演」，沒有，我就只是在工作、在做事情。
Ｑ：《骨恆久於羽》（Bone Always Outlasts Feather）這個美麗的片名對您而言的意義是什麼？
Yannick：" Bone Always Outlasts Feather." 這句話來自英國文學家 Robert Holdstock 的書，那是一本混雜很多各國神話的奇幻文學，我認為書的內容與我在山上的經驗有關，因此借用為片名，但我不想說明其在片中的意義或與我的關係，我想留給觀眾思考。
關於紀錄片，我喜歡非常「直接」的工作方式，例如我很欣賞的日本導演想田和弘（Kazuhiro Soda），他都是在沒有準備、研究與補助的前提下，親身投入情境觀察與記錄，後製也全部自己來，是很直接的紀錄片方法；同時，我也喜歡充滿奇幻、抽象元素的書與實驗電影，我認為有些主題適合經過 distort（扭曲）後，以 fiction（虛構的形式）來呈現。
我為本片創作的虛構神話，像是透過不存在的人或精靈，去述說我與山林的經驗以及難以呈現的觀察；而讓觀眾聽到的田野錄音則非常直接，甚至沒有經過太多後製。我很喜歡這種從「直接記錄」到「模糊虛構」之間的 tension（張力）。
（圖／《骨恆久於羽》電影劇照；台灣國際紀錄片影展提供）
Ｑ：本片一開始在台東聲音藝術節是以三頻錄像的形式展出，您怎麼將作品轉變成單頻「紀錄片」的形式，並參與 TIDF？
Yannick：我在創作時，展覽形式從來不是最重要的，而是田野素材該如何被使用。像這次的經驗讓我意識到，我需要影像來配合蒐集到的聲音，因此我使用了影像；如果素材不需要影像，也可能只是做成 CD 或黑膠，即使後來沒成為電影或紀錄片也沒關係，只要能被聽見就好，聲音是最重要的。
而這部作品的結構其實從展覽到紀錄片都沒有改變，一直維持15段章節，展覽版本就是一個螢幕播1-7段、一個播8-11段、一個播12-15段，連順序都一樣。我希望透過分段，讓觀眾一次只進入一個夢境或故事，這也回應了我在台東的生活：在學校、山上與不同人之間的經驗是斷裂的，卻形成自然循環，我認為這是保留每個故事獨立性最安全的方式。
至於參與 TIDF 的契機，則是策展時要選擇「媒材分類」時，我覺得多媒體、Video installation（錄像裝置）、Sound art installation（聲音藝術裝置）這類的類型定義都過於無趣，於是朋友建議我歸類在「紀錄片」，就因此報名了 TIDF。不過，入圍台灣競賽讓我非常驚訝，因為這是一部成本和團隊都極小的作品，原本只期待能跟朋友家人分享，所以對我而言，入選的意義在於評審與本片內容產生了很強的連結，這讓我很感動。
編輯：萬孟賢
（圖／導演澎葉生；徐安直攝影）
第十五屆台灣國際紀錄片影展
2026 Taiwan International Documentary Festival
．時間｜05/01（五）～5/10（日）
．地點｜國家電影及視聽文化中心、台北獅子林新光影城、光點華山電影館、臺灣當代文化實驗場C-LAB
．票價｜單場票 120 元，套票6張420元（OPENTIX販售）
．《骨恆久於羽》影片介紹及場次請點此
．更多詳情請見官方網站
