本期精選國際表演藝術與策展動態，整理成適合華文讀者閱讀的重點摘要與策展觀察。
來源： Dance Magazine（en）
發布日期： 2026-04-16
原文摘要
《舞蹈雜誌》(Dance Magazine)1976年4月號曾以實驗藝術先驅梅瑞迪絲·蒙克（Meredith Monk）為封面人物，並刊載藝評人 Robb Baker 對其作品的深入評述。文章不只回顧她跨越音樂、舞蹈與劇場的創作實踐，也重新帶出了她對藝術創新壓力的反思。Monk 指出，創作者未必需要不斷證明自己是「新的」，真正重要的，反而是作品是否能觸及更深層的人類經驗、集體記憶與文化感知。這篇歷史文章今日讀來，依然對當代表演藝術界具有高度啟發性，提醒我們重新思考：在強調創新與速度的時代裡，藝術究竟應該追求什麼。
策展觀點
Meredith Monk 在 1976 年所提出的這段話，至今仍十分尖銳：「If old people keep themselves open, they can add a lot more than anyone to society. We’re simply not a culture based on growth. Or depth.」她提醒我們，如果老年人能保持開放，他們能為社會帶來的東西，可能比任何人都更多；但我們所處的文化，往往不是建立在真正的成長之上，也不是建立在深度之上。這不只是對創作焦慮的回應，更像是對整個文化機制的一種提問：我們究竟是在累積深度，還是在不斷淘汰與更新之中消耗自己？
當代藝術環境經常把「新」、「首演」、「跨界」、「創新」視為最容易被辨識與評價的價值，但 Monk 所反對的，可能是這種把「新」變成唯一標準的文化習慣。她所指出的，或許不只是創作方法的問題，而是整個社會對時間、經驗與文化積累缺乏耐心。真正能留下來的作品，未必來自快速生產出的形式突破，而往往來自對生命經驗、集體記憶與文化根源更深的挖掘。
臺東藝穗節在創辦之際，其實也是在這樣的環境探問中逐步形成。我們並不是先設定一個標準化的節慶模型，再把作品放進去，而是在持續追問：臺東是什麼？這片土地的節奏是什麼？表演藝術在這裡，如何與山海、聚落、移動、地方感與身體經驗發生關係？從這個角度看，策展的重點從來不只是「做出新的活動」，而是如何讓藝術重新回到場域、回到文化脈絡之中，讓作品在特定環境裡長出自己的意義。
這也讓我想到首爾藝穗節總監曾提到的一個重要觀點：作品的深度，來自於對自身文化的探尋與尊重。 這句話與 Monk 的觀點其實可以相互對照。當一個藝術節或一個作品急著向外證明自己「夠新」、「夠國際」、「夠當代」時，反而可能離真正的深度越來越遠；但若它願意回到自身文化的紋理之中，理解自己從哪裡來、與什麼歷史和環境相連，它才可能長出真正獨特、也真正能夠與世界對話的內容，也或許就是那句陳腔濫調「越在地，越國際」。
對於台灣的表演藝術來說，這一點或許尤其關鍵。長期以來，我們常處在一種雙重壓力裡：一方面希望保持在地文化的獨特性，另一方面又害怕不夠「當代」、不夠「國際」。於是，策展與創作常常不自覺地朝向一種可被快速辨識的創新語言靠攏，卻較少停下來問：這樣的形式轉譯，是否真的建立在對自身文化的理解之上？還是只是另一種表層更新？如果深度來自於探尋與尊重自身文化，那麼策展人真正要做的，或許不是更快地追上潮流，而是更誠實地回到自身所處的土地與文化位置。
因此，Monk 的這段話放到今天來看，與其說是在反對創新，不如說是在提醒我們：文化的價值不應只來自不斷汰換舊事物的速度，而應來自是否能讓經驗被累積、讓記憶被轉譯、讓不同世代與不同文化之間形成更深的連結。這也是臺東藝穗節一路走來對我最重要的提醒——真正有力量的策展，不一定是最炫目、最新穎的，而是能否在環境、文化與人的相遇之中，慢慢長出屬於自己的深度。
觀點切角： 從 Meredith Monk 對「新」的質疑出發，連結臺東藝穗節創辦初期對場域與文化環境的探問，思考表演藝術策展如何從追逐新穎，轉向追求深度、文化根源與真正的在地對話。
關鍵詞： Meredith Monk, 表演藝術策展, 臺東藝穗節, 首爾藝穗節, 亞洲當代藝術, 台灣表演藝術, 文化深度, 在地性, 集體記憶, 藝術與環境
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